Questões de Concurso sobre Dança

Ensinar a coreografia no ritmo da música e depois discutir sobre figurino e cenário.

Criar as sequências de movimento e verificar como encaixar a música disponível.

Elaborar a coreografia considerando os recursos de figurino, cenário e trilha.

Deixar que os estudantes escolham o figurino para evitar conflitos.

Concentrar a avaliação no resultado da apresentação final.

Merce Cunningham defendia que a narrativa deveria surgir da improvisação espontânea dos bailarinos, valorizando personagens individuais e histórias lineares como eixo estrutural de suas obras.

A abordagem de Pina Bausch rejeitava elementos teatrais, priorizando movimentos abstratos e afastando-se intencionalmente de qualquer possibilidade de construção e presença de personagens.

Na Tanztheater de Pina Bausch, a construção de personagens emerge da experiência subjetiva dos intérpretes, que desenvolvem gestos e ações a partir de memórias pessoais, resultando em narrativas fragmentadas e densas.

Para Cunningham, personagens são centrais à dramaturgia coreográfica, e sua técnica enfatiza a criação de papéis dramatúrgicos fixos que orientam a relação entre tempo, espaço e ação.

Tanto Bausch quanto Cunningham desenvolvem a narrativa por meio da representação psicológica direta dos personagens, utilizando gestos codificados para manter unidade dramatúrgica tradicional.

As vanguardas da dança moderna, especialmente as influenciadas pela técnica de Martha Graham, rejeitaram qualquer aproximação com jogos e ludicidade, defendendo que o rigor expressivo deveria anular toda experimentação espontânea.

Na pedagogia clássica do ballet, elementos lúdicos sempre foram centrais ao treinamento técnico, pois a improvisação orientada constituía parte obrigatória dos métodos tradicionais desde o século XIX.

As danças populares, embora historicamente associadas a festividades e coletividades, não utilizam atividades lúdicas em seus processos criativos, pois seus movimentos seguem um roteiro repetitivo e previsível.

Em práticas contemporâneas, atividades lúdicas dialogam com princípios históricos da dança pós-moderna, como a valorização do cotidiano, da improvisação e da criação compartilhada, ampliando o repertório criativo dos intérpretes.

A improvisação lúdica só passou a ser reconhecida academicamente no início do século XXI, com o surgimento de estudos somáticos, não havendo precedentes históricos anteriores que conectassem jogo e criação em dança.

Carimbó

Calango

Fandango

Frevo

Maracatu

A metodologia da dança na escola deve proibir qualquer tipo de contato físico entre os alunos, limitando a prática a movimentos realizados individualmente e de forma estática.

A metodologia de ensino deve priorizar a improvisação e a criação coletiva, permitindo que os estudantes desenvolvam sua consciência corporal e expressividade rítmica.

O ensino de dança deve basear-se exclusivamente na repetição mecânica de passos de balé clássico, com foco na correção técnica rigorosa para apresentações de final de ano.

O professor de dança deve utilizar métodos que foquem apenas na memorização de sequências coreográficas prontas retiradas de vídeos de redes sociais sem análise crítica.

As aulas de dança no Ensino Fundamental devem excluir alunos que apresentem dificuldades de coordenação motora para não prejudicar o sincronismo das coreografias.

O ballet clássico organiza-se por improvisação e quedas livres, e a dança contemporânea mantém vocabulário fixo e rígido.

Danças de rua formam-se em repertórios acadêmicos, e a dança contemporânea limita-se a narrativas literais com personagens.

A dança contemporânea amplia exploração de peso e chão, e danças de rua ligam-se a sociabilidades urbanas com criação em rodas.

O ballet clássico baseia-se em gestos cotidianos e uso do chão, e danças de rua priorizam repertório de salão com pares fixos.

Danças de rua organizam-se por pantomima narrativa, e a dança contemporânea estrutura-se por passos codificados e métrica fixa.

A preocupação com o fazer-pensar arte no aprendizado da dança é um fator essencial para criarmos vínculos e articularmos formas de ver, perceber e conviver em sociedade; ao mesmo tempo é um modo de permitirmos que o processo dialógico entre os trabalhos artísticos, os artistas e o público seja realizado dentro da escola e no processo de ensino-aprendizado.

A dança tem como finalidade único domínio técnico dos movimentos corporais padronizados.

A dança se restringe à apresentação coreográfica, desvinculada dos contextos sociais e culturais.

O ensino da dança prioriza a reprodução de estilos consagrados, sem diálogo com o público.

A dança, no contexto escolar, deve ser tratada apenas como atividade física complementar.

alternância de movimento dos corpos em linhas retas.

padronização dos ritmos e movimentos do corpo.

normalização dos movimentos do corpo e do ritmo.

configuração do formato fixo de fileiras.

variação dos grupos étnicos e dos rituais culturais.

plié.

layout.

isolamento.

grand battement.

contraction.

O Quebra-Nozes.

O Lago dos Cisnes.

Coppélia.

La Sylphide.

Don Quixote.

queda e recuperação.

contração e relaxamento.

curva e torção.

suspensão e colapso.

articulação isolada.

flutuar.

socar.

deslizar.

talhar.

sacudir.

A Dança se constitui como prática artística pelo pensamento e sentimento do corpo, mediante a articulação dos processos cognitivos e das experiências sensíveis implicados no movimento dançado.

A Dança deve ser compreendida apenas como atividade física, sem relação com o pensamento e as emoções.

O aprendizado da Dança deve priorizar a repetição de passos e técnicas, sem envolvimento emocional.

A criação coreográfica na escola deve limitar-se à observação de apresentações profissionais.

O ensino de Dança está desvinculado da cultura e da sensibilidade corporal dos estudantes.

análise do movimento.

história da dança clássica.

técnica do ballet acadêmico.

coreografia tradicional.

dança folclórica.

dança popular • contagem • sequência • padronizada

dança contemporânea • improvisação • pesquisa • orgânica

composição • postura • expressão • coordenada

dança popular • técnica • teatralidade • criativa

dança contemporânea • precisão • pesquisa • estruturada

À habilidade do intérprete de manter a conexão interna e externa.

À capacidade de executar movimentos técnicos com precisão absoluta.

À predominância de força física e resistência durante a performance.

Ao uso de figurinos, adereços e maquiagem com impacto visual.

À sincronização entre os intérpretes, assegurando uniformidade dos movimentos.

A preparação do espaço físico da sala de aula deve seguir um único padrão, para não reforçar preconceitos e diferenciar estudantes com ou sem deficiência, e permitir igualdade de tratamento.

Dividir a turma entre pessoas com e sem deficiência para executar exercícios é uma didática adaptativa que atende melhor às necessidades específicas de cada grupo.

O trabalho em dança com estudantes com deficiência que possuem resistência ao toque torna-se inviável, pois impossibilita a correção de movimentos e posturas necessários para coreografias.

Exercícios provindos de técnicas da dança formal não se aplicam ao trabalho com estudantes com deficiência por terem sido pensados para um corpo padrão normalizado sem deficiência.

O trabalho pedagógico com a expressividade de corpos com deficiência contribui para o desenvolvimento da prática anticapacitista, que se concentra naquilo que pode um corpo, em vez de naquilo que ele não pode.

A dança brasileira sempre atuou no popular e no erudito, em uma expressividade mestiça reconhecida em sua riqueza, inclusive entre linguagens, como é o caso da capoeira, por exemplo.

O teatro e a dança exaltaram as práticas europeias até meados de 1940, em um movimento contrário ao que acontecia em outras artes desde, pelo menos, a Semana de Arte Moderna, em 1922.

A compreensão do funcionamento e do uso de recursos oferecidos pelas tecnologias digitais para o tratamento da música, como mixagem, sampleamento e edição, não se relaciona com a dança, vinculada aos recursos do audiovisual.

A composição coreográfica, uma das mais antigas e tradicionais metodologias do ensino de dança, integra-se a outras metodologias, como a técnica criativa por improvisação, por exemplo.

Manifestações artísticas são as produções legitimadas pelas instituições culturais e veiculadas pela mídia, e os processos de aprendizagem correspondem à aquisição de códigos e técnicas.

Antes da colonização europeia, os povos indígenas da Amazônia já possuíam sistemas complexos de dança integrados a rituais religiosos, ciclos agrícolas, práticas xamânicas e ritos de passagem.

Com a colonização portuguesa, a partir do século XVI, as práticas corporais indígenas foram reprimidas, resultando em um processo de apagamento total da cultura rítmica.

Historicamente associado às populações ribeirinhas e às comunidades rurais, o Carimbó consolidou-se como dança de celebração, cortejo e interação social.

A presença africana na Amazônia, embora menos numerosa que em outras regiões do Brasil, foi decisiva na constituição de danças híbridas, especialmente nos atuais estados do Pará e do Amapá.

As danças indígenas amazônicas expressam uma concepção não dualista do corpo, na qual não há separação entre corpo e espírito.

Espaço, com foco em direções e trajetórias, valorizando mudanças de nível e desenho geométrico do corpo na cena.

Fluência, com qualidade livre, favorecendo continuidade e passagem suave entre ações, criando sensação de movimento contínuo.

Peso, com qualidade forte, destacando impacto e firmeza, com uso intenso de energia em ações curtas e marcadas.

Tempo, com qualidade súbita, acentuando acelerações e cortes, com respostas rápidas do corpo ao pulso musical.

Espaço, com qualidade indireta, explorando caminhos curvos e atenção difusa, com deslocamentos sem foco dominante.