Questões de Concurso sobre Dança

Ensinar a coreografia no ritmo da música e depois discutir sobre figurino e cenário.

Criar as sequências de movimento e verificar como encaixar a música disponível.

Elaborar a coreografia considerando os recursos de figurino, cenário e trilha.

Deixar que os estudantes escolham o figurino para evitar conflitos.

Concentrar a avaliação no resultado da apresentação final.

Merce Cunningham defendia que a narrativa deveria surgir da improvisação espontânea dos bailarinos, valorizando personagens individuais e histórias lineares como eixo estrutural de suas obras.

A abordagem de Pina Bausch rejeitava elementos teatrais, priorizando movimentos abstratos e afastando-se intencionalmente de qualquer possibilidade de construção e presença de personagens.

Na Tanztheater de Pina Bausch, a construção de personagens emerge da experiência subjetiva dos intérpretes, que desenvolvem gestos e ações a partir de memórias pessoais, resultando em narrativas fragmentadas e densas.

Para Cunningham, personagens são centrais à dramaturgia coreográfica, e sua técnica enfatiza a criação de papéis dramatúrgicos fixos que orientam a relação entre tempo, espaço e ação.

Tanto Bausch quanto Cunningham desenvolvem a narrativa por meio da representação psicológica direta dos personagens, utilizando gestos codificados para manter unidade dramatúrgica tradicional.

As vanguardas da dança moderna, especialmente as influenciadas pela técnica de Martha Graham, rejeitaram qualquer aproximação com jogos e ludicidade, defendendo que o rigor expressivo deveria anular toda experimentação espontânea.

Na pedagogia clássica do ballet, elementos lúdicos sempre foram centrais ao treinamento técnico, pois a improvisação orientada constituía parte obrigatória dos métodos tradicionais desde o século XIX.

As danças populares, embora historicamente associadas a festividades e coletividades, não utilizam atividades lúdicas em seus processos criativos, pois seus movimentos seguem um roteiro repetitivo e previsível.

Em práticas contemporâneas, atividades lúdicas dialogam com princípios históricos da dança pós-moderna, como a valorização do cotidiano, da improvisação e da criação compartilhada, ampliando o repertório criativo dos intérpretes.

A improvisação lúdica só passou a ser reconhecida academicamente no início do século XXI, com o surgimento de estudos somáticos, não havendo precedentes históricos anteriores que conectassem jogo e criação em dança.

alternância de movimento dos corpos em linhas retas.

padronização dos ritmos e movimentos do corpo.

normalização dos movimentos do corpo e do ritmo.

configuração do formato fixo de fileiras.

variação dos grupos étnicos e dos rituais culturais.

plié.

layout.

isolamento.

grand battement.

contraction.

O Quebra-Nozes.

O Lago dos Cisnes.

Coppélia.

La Sylphide.

Don Quixote.

queda e recuperação.

contração e relaxamento.

curva e torção.

suspensão e colapso.

articulação isolada.

flutuar.

socar.

deslizar.

talhar.

sacudir.

Carimbó

Calango

Fandango

Frevo

Maracatu

A metodologia da dança na escola deve proibir qualquer tipo de contato físico entre os alunos, limitando a prática a movimentos realizados individualmente e de forma estática.

A metodologia de ensino deve priorizar a improvisação e a criação coletiva, permitindo que os estudantes desenvolvam sua consciência corporal e expressividade rítmica.

O ensino de dança deve basear-se exclusivamente na repetição mecânica de passos de balé clássico, com foco na correção técnica rigorosa para apresentações de final de ano.

O professor de dança deve utilizar métodos que foquem apenas na memorização de sequências coreográficas prontas retiradas de vídeos de redes sociais sem análise crítica.

As aulas de dança no Ensino Fundamental devem excluir alunos que apresentem dificuldades de coordenação motora para não prejudicar o sincronismo das coreografias.

A preocupação com o fazer-pensar arte no aprendizado da dança é um fator essencial para criarmos vínculos e articularmos formas de ver, perceber e conviver em sociedade; ao mesmo tempo é um modo de permitirmos que o processo dialógico entre os trabalhos artísticos, os artistas e o público seja realizado dentro da escola e no processo de ensino-aprendizado.

A dança tem como finalidade único domínio técnico dos movimentos corporais padronizados.

A dança se restringe à apresentação coreográfica, desvinculada dos contextos sociais e culturais.

O ensino da dança prioriza a reprodução de estilos consagrados, sem diálogo com o público.

A dança, no contexto escolar, deve ser tratada apenas como atividade física complementar.

O ballet clássico organiza-se por improvisação e quedas livres, e a dança contemporânea mantém vocabulário fixo e rígido.

Danças de rua formam-se em repertórios acadêmicos, e a dança contemporânea limita-se a narrativas literais com personagens.

A dança contemporânea amplia exploração de peso e chão, e danças de rua ligam-se a sociabilidades urbanas com criação em rodas.

O ballet clássico baseia-se em gestos cotidianos e uso do chão, e danças de rua priorizam repertório de salão com pares fixos.

Danças de rua organizam-se por pantomima narrativa, e a dança contemporânea estrutura-se por passos codificados e métrica fixa.

Anna Pavlova.

Margot Fonteyn.

Vaslav Nijinsky.

Pierre Beauchamps.

Rudolph Nureyev.

Fluência: diz respeito à continuidade e à suavidade dos movimentos.

Espaço: refere-se à movimentação no espaço, incluindo dimensão, nível de amplitude.

Peso: relaciona-se à seleção de coreografia estar adequada à massa corporal do executante.

Tempo: envolve ritmo, velocidade.

A consciência corporal se desenvolve pela repetição mecânica de movimentos, pois a automatização das sequências permite atenção plena ao gesto.

A consciência corporal envolve a integração entre propriocepção, respiração, foco atencional e sensação de apoio no espaço.

Em dança, trabalhar consciência corporal significa reconhecer tensões musculares, mas não implica relacionar-se com outros intérpretes na cena.

O desenvolvimento da consciência corporal deve ocorrer nas fases iniciais da formação, uma vez que níveis avançados requerem foco em técnica e virtuosidade.

É um estado de atenção integrado ao corpo, ao espaço, à intenção e ao movimento, por isso, o uso do espelho é imprescindível na sala de dança.

V – F – V

V – V – F

F – V – V

F – F – V

F – V – F

Apenas I, II e IV.

Apenas II e III.

Apenas I, II e III.

Apenas I e III.

Apenas IV.

I e III apenas.

I e II apenas.

III apenas.

I, II e III.

II e III apenas.

A proposta triangular em artes, aplicada à dança, organiza o ensino em três eixos integrados: a produção artística (fazer), a apreciação estética e a contextualização histórica.

O papel da dança na educação limita-se ao treinamento atlético de flexibilidade para que os alunos possam participar de competições de ginástica artística internacional.

O funcionamento do corpo para a dança desconsidera o sistema esquelético e muscular, fundamentando-se apenas na levitação mental dos alunos durante as apresentações escolares.

A história da dança ocidental iniciou-se com a proibição total de qualquer movimento corporal por parte dos povos nômades durante as festividades de colheita agrícola.

Ritmo, Melodia, Harmonia e Timbre.

Força, Resistência, Flexibilidade e Velocidade.

Ponto, Linha, Plano e Volume.

Peso, Tempo, Espaço e Fluência.