Questões de Concurso sobre Dança

II apenas.

I apenas.

I e III apenas.

I, II e III.

Intensificar o volume de treinos, dobrando a carga horária diária e exigindo repetições exaustivas de cada sequência ("limpeza fina"), partindo da premissa de que a exaustão leva à superação psicológica e à automação total do movimento sob pressão.

Manter a intensidade da execução (energia real de palco/potência) nas passagens da coreografia, mas reduzir progressivamente o volume total (tempo de ensaio e número de repetições), priorizando a recuperação física (supercompensação) e o reforço positivo da autoconfiança.

Suspender totalmente os ensaios práticos e substituir as aulas por sessões de vídeo e visualização mental (treino ideomotor) durante as duas semanas finais, para garantir que o sistema musculoesquelético esteja em repouso absoluto e livre de qualquer risco de lesão traumática.

Alterar imediatamente os trechos da coreografia onde ocorrem as falhas de coordenação, simplificando a movimentação para garantir a limpeza técnica, mesmo que isso exija que os alunos reaprendam partes da estrutura espacial nas vésperas da viagem.

Os Recursos Didáticos (o "com o quê") são o fator determinante da Metodologia na dança contemporânea; assim, a inexistência de espelhos, barras fixas ou piso linóleo na sala de aula impede, por definição, o planejamento de aulas com objetivos técnicos, obrigando o professor a restringir seu plano a atividades recreativas.

A Avaliação (o "como verificar") deve constituir uma etapa estanque e terminal do plano de aula, realizada exclusivamente nos minutos finais para mensurar o grau de retenção motora dos alunos, não devendo interferir ou modificar os Procedimentos Metodológicos durante o transcorrer da atividade.

Os Objetivos (o "para quê") devem ser redigidos obrigatoriamente sob a ótica comportamentalista estrita (Taxonomia de Bloom original), descrevendo ações motoras observáveis e mensuráveis de forma isolada, sendo vetado o uso de objetivos que envolvam processos cognitivos internos ou apreciação estética subjetiva, pois estes não são passíveis de verificação técnica.

Os Procedimentos Metodológicos (o "como" ensinar) devem estar subordinados aos Objetivos de aprendizagem traçados; isso significa que uma mesma técnica de dança (Conteúdo) pode exigir estratégias opostas (ex: comando direto versus descoberta guiada) dependendo se o objetivo daquela aula específica é a "automatização do gesto" ou a "expressividade criativa".

A relação direta entre dança e corpo, que exige dos alunos tanto o domínio da consciência corporal, quanto uma condição física adequada, contribui para evidenciar que o ensino da dança é uma unidade temática própria da educação física, que deve estar sob sua responsabilidade.

A 1.ª etapa, destinada à dimensão cultural da dança, também contribui para ressaltar que a dança deve ser vista como um modo político de se posicionar na sociedade, o que permite aos alunos refletirem se concordam com essa narrativa e como querem, individual e coletivamente, apropriar-se dela.

A 2.ª etapa, destinada à experimentação, requer um tempo maior que as demais, pois os alunos devem ampliar as possibilidades de movimento, a fim de adquirirem a técnica correta para serem avaliados como bons dançarinos, o que contribui para a qualidade da sua apresentação no final.

Na 3.ª etapa, destinada à culminância, a apresentação do grupo de dança traz a cultura para dentro da escola, o que transcende uma experiência que era exclusiva da turma para toda a comunidade escolar, devendo, portanto, ser priorizada em relação à apresentação dos alunos, que estão aprendendo como dançar.

A metodologia proposta pelo professor contribui para que os alunos aprendam que a dança é uma atividade importante para que as pessoas possam relaxar e dispersar as tensões, prevenindo contra o estresse e favorecendo a sua expressão corporal nos momentos de lazer.

Corpo

Espaço

Força

Tempo

Consciência corporal

II, III e IV.

I, II e IV.

III e IV.

I, II e III.

I e III.

Os pilares da dança são Introdução, Desenvolvimento, Clímax e Desfecho, termos que se restringem à estrutura narrativa de um roteiro dramatúrgico e não à análise do movimento em si.

Os componentes estruturais são Força, Flexibilidade, Resistência e Potência, que se referem apenas às capacidades físicas do atleta e não aos aspectos expressivos e qualitativos da dança.

Os elementos essenciais são Cenário, Figurino, Iluminação e Sonoplastia, que constituem os recursos técnicos de um espetáculo teatral, mas não são fatores intrínsecos à ação do movimento do dançarino.

Os quatro fatores básicos que compõem a dinâmica do movimento são Fluência (ou Fluxo), Espaço, Peso e Tempo, sendo que a variação e combinação entre eles geram as diferentes qualidades expressivas na dança.

Os fatores fundamentais são Ritmo, Melodia, Harmonia e Timbre, elementos exclusivos da linguagem musical que não se aplicam à análise da qualidade do movimento corporal.

Apenas I e II estão corretas.

Apenas I e III estão corretas.

Apenas II e III estão corretas.

Apenas III está correta.

I, II e III estão corretas.

V – F – V.

F – V – V.

V – V – F.

F – F – V.

V – F – F.

A improvisação rítmica constitui estratégia pedagógica que favorece desenvolvimento de autonomia expressiva e compreensão criativa das estruturas temporais da música, permitindo aos participantes explorarem relações dinâmicas entre movimento e som através de experimentações corporais.

A musicalidade é experiência corporal complexa que envolve escuta ativa, antecipação temporal e improvisação expressiva, permitindo que o corpo se torne instrumento sensível do tempo e do espaço rítmico, estabelecendo diálogos dinâmicos entre movimento, som e significado.

A coordenação rítmica desenvolve-se através de processos pedagógicos que articulam percepção auditiva e execução motora, integrando elementos musicais e corporais mediante vivências progressivas que favorecem domínio de padrões temporais e espaciais característicos de diferentes gêneros de dança.

O ritmo articula-se com elementos espaciais e dinâmicos na construção do movimento dançado, constituindo parâmetro fundamental que estrutura a experiência estética e comunicativa da dança através da organização temporal dos gestos e das qualidades expressivas do corpo.

A sincronização entre corpo e estrutura sonora articula-se mediante processos de escuta sensível e resposta corporal criativa, desenvolvendo nos participantes capacidade de interpretação musical e expressão através do movimento que transcende reprodução mecânica de acentos rítmicos.

A comunicação artística na performance se desenvolve mediante articulação entre técnica corporal, expressividade emocional e construção de significados, processos que permitem aos intérpretes estabelecerem diálogo estético com espectadores através da presença cênica e da qualidade expressiva dos movimentos.

A expressão artística na performance articula domínio técnico, presença cênica e intencionalidade expressiva através de integração entre corpo, movimento e significado, permitindo aos intérpretes comunicarem conteúdos artísticos mediante recursos gestuais, espaciais, temporais e energéticos que constituem a linguagem da dança.

A performance em dança articula preparação técnica, investigação expressiva e construção de presença cênica através de processos que integram domínio de vocabulário gestual, desenvolvimento de qualidades interpretativas e capacidade de comunicar significados mediante linguagem corporal situada.

A presença cênica se articula com domínio técnico e sensibilidade expressiva na construção da performance, constituindo dimensão que integra consciência corporal, projeção energética e capacidade comunicativa através de recursos que favorecem estabelecimento de vínculos expressivos entre intérprete, obra e público.

A expressão na performance se fundamenta em articulação entre elementos técnicos e dimensões interpretativas que permitem aos intérpretes construírem comunicação artística através de recursos gestuais, espaciais e energéticos que caracterizam diferentes abordagens estéticas e contextos de apresentação.

A tradição coreográfica original é reproduzida integralmente sem adaptações significativas de estilo, ritmo, indumentária ou gestualidade, garantindo transmissão fiel dos padrões técnicos e estéticos estabelecidos pelas escolas egípcias, libanesas e turcas tradicionais.

A prática nacional exclui sistematicamente influências midiáticas e comerciais por valorizar preservação da pureza cultural originária, mantendo-se isolada de processos de globalização, espetacularização ou apropriação por indústrias do entretenimento e do fitness.

A dança conserva prioritariamente sua função ritual religiosa sem inserção relevante no campo artístico contemporâneo, permanecendo restrita a contextos cerimoniais comunitários e afastada de palcos teatrais, festivais ou espaços de performance artística profissional.

Sua expansão no Brasil evidencia processo de transculturação, em que símbolos árabes são reinterpretados segundo sensibilidades locais, novos repertórios corporais e construções estéticas que dialogam com elementos da cultura brasileira contemporânea.

O ensino brasileiro se mantém estruturalmente inalterado em relação aos códigos rituais originais do Oriente Médio, preservando integralmente os significados tradicionais, as funções cerimoniais e os contextos de prática estabelecidos pelas comunidades árabes ancestrais.

A prática privilegia componentes de resistência e força, integrando movimentos repetitivos de baixa complexidade rítmica e foco em autonomia funcional, mas sem articulação explícita com dimensões expressivas ou simbólicas.

O trabalho pedagógico se baseia em sequências coreográficas estruturadas, mas com ajustes graduais de intensidade e complexidade motora, priorizando estímulo cognitivo e social sem necessidade de alto desempenho físico.

A coordenação e o equilíbrio são desenvolvidos de forma secundária, já que o foco central recai sobre a expressividade e não sobre a funcionalidade motora, o que reduz a ênfase no controle postural dinâmico e na percepção espacial.

A progressão pedagógica deve adotar estrutura fechada de ensino, com repetições idênticas para todos os participantes, a fim de garantir padronização técnica e evitar variações de execução que possam gerar desequilíbrios posturais.

A prática favorece coordenação motora fina e global, ritmo, equilíbrio e orientação espacial, estimulando também cooperação, memória e protagonismo do idoso no processo educativo, respeitando tempos individuais e valorizando experiências corporais prévias.

A dança como linguagem organiza-se mediante sintaxe corporal que estrutura sequências de movimentos em composições expressivas, permitindo aos criadores e intérpretes comunicarem conteúdos artísticos através de recursos técnicos e estéticos da linguagem coreográfica.

Os processos comunicativos na dança envolvem produção de sentidos através do corpo em movimento, articulando expressividade individual e códigos coletivos que caracterizam diferentes contextos culturais e abordagens estéticas nas práticas coreográficas contemporâneas.

A comunicação através da dança articula intenção expressiva do intérprete e percepção do espectador, processo mediado por códigos culturais que favorecem compreensão de significados simbólicos e dimensões estéticas das manifestações coreográficas em contextos específicos.

A linguagem da dança fundamenta-se em vocabulário gestual estruturado por elementos técnicos que constituem sistema expressivo reconhecível em diferentes gêneros, permitindo transmissão de mensagens corporais através de códigos compartilhados entre intérpretes e espectadores.

A dança opera como linguagem não-verbal que comunica significados através de gestos, posturas e qualidades de movimento, articulando dimensões estéticas, simbólicas e culturais que permitem expressão de ideias, emoções e valores coletivos em diferentes contextos sociais e históricos.

A relação entre técnica e criação estabelece-se mediante progressão pedagógica que inicia com domínio de vocabulário gestual básico, avançando gradualmente para experimentações expressivas conforme consolidação das habilidades motoras fundamentais.

O corpo na dança é compreendido como território de experiências sensíveis, em que técnica, percepção e imaginação se entrelaçam, integrando dimensões cognitivas, afetivas e motoras na construção do conhecimento através de pedagogia que transcende a separação entre forma técnica e conteúdo expressivo.

A técnica em dança desenvolve padrões gestuais mediante processos sistemáticos que priorizam precisão de execução e controle motor progressivo, estabelecendo fundamentos corporais necessários para posterior desenvolvimento de capacidades expressivas e interpretativas.

A estética da dança articula elementos formais do movimento mediante análise de estruturas compositivas que caracterizam diferentes gêneros, desenvolvendo nos participantes reconhecimento de padrões coreográficos através de processos de observação e reprodução técnica.

A corporeidade na dança fundamenta-se no desenvolvimento de eficiência biomecânica e domínio progressivo de gestos codificados, priorizando aprendizagem de posições, movimentos e deslocamentos conforme padrões estabelecidos por escolas técnicas reconhecidas.

Os processos de urbanização e modernização nacional promoveram transformações nas manifestações folclóricas brasileiras, estabelecendo dinâmicas de incorporação de elementos técnicos e estéticos contemporâneos que convivem com práticas corporais tradicionais nas expressões culturais regionais.

A origem das danças folclóricas brasileiras se vincula às festas religiosas católicas ibéricas transplantadas no período colonial, que incorporaram elementos rítmicos e gestuais locais, constituindo manifestações sincréticas que preservam estruturas coreográficas europeias adaptadas ao contexto tropical.

A influência das matrizes indígenas nas danças brasileiras se manifesta nas regiões Norte e Centro-Oeste através de práticas rituais específicas, enquanto as manifestações folclóricas das demais regiões expressam principalmente a interação entre contribuições africanas e europeias.

As danças de matriz africana no Brasil constituem manifestações que articulam dimensões religiosas e cotidianas, tendo sido documentadas e sistematizadas por folcloristas durante o século XX, processo que contribuiu para a preservação dessas práticas como patrimônio cultural.

As danças folclóricas brasileiras expressam sincretismo cultural resultante da interação complexa entre matrizes indígenas, africanas e europeias, revelando processos de resistência, reelaboração simbólica e pluralidade étnica que caracterizam a formação histórica e identitária nacional.

I, II e III.

III apenas.

II e III apenas.

I e III apenas.

I apenas.

Apenas II.

Apenas I e IV.

Apenas III e IV.

Apenas I, II e III.

I, II, III e IV.